„Ein Bild ist – bevor es ein Schlachtpferd, eine nackte Frau oder
irgendeine Anekdote darstellt – vor allen Dingen eine plane Fläche, die
in einer bestimmten Ordnung mit Farben bedeckt ist“, beschreibt Maurice
Denis den Ausgangspunkt, mit dem ich die Arbeiten von Margareta Hesse
ergründen möchte. Daraus wird in der Mitte des 20. Jahrhunderts der
einflußreiche Kritiker Clement Greenberg die These ableiten, „daß der
eigene und eigentliche Gegenstandsbereich jeder einzelnen Kunst genau
das ist, was ausschließlich in dem Wesen ihres jeweiligen Mediums
angelegt ist“. Für die Malerei soll dieses Eigentliche vor allem in der
„Betonung der unvermeidlichen Flächigkeit des Bildträgers“ bestehen.
Von diesem Standpunkt aus erscheint realistische Kunst als Verleugnung
des Mediums und surrealistische Malerei bloß als „gemalte Literatur“.
Geht man stattdessen von einem erweiterten Modernebegriff aus, der den
Realismus und die historischen Avantgarden mit umfaßt, dann läßt sich
die Eliminierung des Literarischen aus der Malerei als eine Bestrebung
innerhalb der bildkünstlerischen Moderne ausmachen, die nicht zuletzt
deshalb als das entwicklungslogische Prinzip der postmodernen Malerei
erscheinen konnte, weil sie durch einen programmatischen Begriff
gestützt wurde. Die Kunstwelt zerfällt in zwei Hälften: in eine, die an
einem pathetischen, kritischen Kunstbegriff festhält und von ‚Kunst’
erwartet, daß sie neue Sichtweisen eröffnet, durch visuelle Schocks und
Verführungen das Sehen und Denken nachhaltig ändert, vorsprachlich
etwas aufscheinen läßt, was anders nicht formulierbar ist – und in
eine, die zwischen Kunst, Design und Kunsthandwerk nicht mehr trennen
mag und nur noch danach urteilt, ob etwas „formal gelungen“ ist. "Das
Schweigen von Marcel Duchamp wird überbewertet" – Joseph Beuys ließ auf
seine Worte 1964 eine Aktion folgen. Das Schweigen – oder vielmehr: die
Verweigerungsstrategie – seines Kollegen konterkarierte Beuys, indem er
Duchamps Readymade–Idee durch seine eigene Theorie der "sozialen
Plastik" erweiterte. Künstler sind so wichtig wie die Politiker, in
ihrer Fähigkeit, die Welt zu verändern. Die moderne Kunst spiegelt die
Werte und die Sorgen unserer Gegenwart, dem Publikum werden Türen
geöffnet über neue Art und Weisen, wie wir unseren Werten Ausdruck
verleihen können. So kann man sich mit der Kunst des 21. Jahrhunderts
Zeit ins Benehmen setzen. Auch aktuell stellt sich die Frage, ob sich
auf intelligente Weise Kunst produzieren läßt, indem man konzeptuelle
Hermetik auf der einen sowie frischfrommfröhliche Malerei auf der
anderen Seite gewissermaßen am Schopf packt und in eine ganz andere,
eigene Richtung zerrt.

Margareta Hesse, die seit 1995 Professorin an der Fachhochschule in
Dortmund ist, ist eine Figur der Ermutigung vor allem für junge
Künstlerinnen. Den Versuch, ihre Werke als feministisches Statement zu
lesen, zum Beispiel weil sie den weiblichen Körper und seine
Verletzbarkeit zu einer Zeit sichtbar machte, als dies für andere
Künstlerinnen schon eine politische Aussage war, wies sie selbst zwar
oft zurück. Aber nicht zuletzt, weil solche Lesarten möglich waren,
waren ihre Werke auch in vielen männlich dominierten Sammlungen begehrt
als Beleg für die Aufgeschlossenheit gegenüber Künstlerinnen. Ihre
Bilder stellen keine Zitate der ikonischen Moderne dar oder
Anspielungen auf bestimmte Schulen oder Agenden, sondern streben
trotzig nach Bewahrung ihrer eigenen Autonomie. Das Poetische und das
Mechanische gehen in vielen Arbeiten eine spielerische Verbindungen
ein, die auch gerade da, wo sie das Schöpferische der Kunst zu
ironisieren scheinen, nie die Lust am Narrativen und an einer
zärtlichen Zugewandtheit zu jeder Form von Entstehungsprozeß verlieren.

Paragone heißt der Wettstreit der Künste. Das intellektuelle Projekt,
die Rangfolge der klassischen Disziplinen Malerei, Bildhauerei und
Architektur festzulegen, wurde in der Renaissance Italiens geboren.
Während die Maler auf ihre illusionistischen Fähigkeiten verwiesen,
punkteten die plastischen Künstler mit der Vielansichtigkeit ihrer
Werke. Für das Medium der Bildhauerei hat sich Margareta Hesse bei den
»tubes« entschieden, weil konventionelle Mittel der architektonischen
Repräsentation wie der Grund– und Aufriß oder die Isometrie ihrer
Meinung nach dem Entwurf und der Darstellung ihrer experimentellen
Raumgebilde nicht genügten. Hier zeigt sich, daß ein wesentlicher
Aspekt der Arbeiten die Auseinandersetzung mit verschiedenen
Materialien ist und den sich aus ihrer Zusammenführung ergebenden
Kontrasten. Sie benutzt sehr gegensätzliche Materialien für ihre
Objekte und findet für ihre Werke stets ästhetisch schlüssige Lösungen,
bei denen jedes Material seine Wirkung voll entfalten kann. Ihre
Recherche und Lust galt bei den tubes dem Ausdruck der Materialien und
Formen im Objekthaften, dem Balanceakt zwischen neutral geometrischer
Form und semantischer Aufladung. Man könnte fast annehmen, es handele
sich um abstrakte Arbeiten, die von architektonischer Vorstellungskraft
zeugen, aber keine physische Wirklichkeit wiedergeben. Charakteristisch
ist das Nebeneinander unterschiedlicher Perspektiven, das es den
Betrachtern schwer macht, die Bilder zu dechiffrieren. Was sich da
zwischen Holz und Stahl manifestiert sind Architektur–Utopien, die an
die von gesellschaftlichem Aufbruch und technischem Optimismus
geprägten 1960er Jahre ebenso anschließen wie an die Arbeiten der
konstruktivistisch ausgerichteten russischen Avantgarde der 1920er
Jahre.

Ihre Kunstwerke haben etwas Lukullisches, wie es Bertolt Brecht nannte.
Die Form darf nicht abgelöst werden vom Inhalt, und der Inhalt braucht
eine angemessene Form. Während ihre frühen Arbeiten mit ihren
(de)konstruktivistischen Anleihen von einer Hard–Edge–Ästhetik geprägt
sind, zeigt sich in den jüngeren Projekten wie »einmal auf dem wasser
gehen und in die tiefe sehen« von urbanem Maßstab mehr und mehr eine
Tendenz zur Verflüssigung, indem sich die futuristischen Entwürfe als
geronnene Hohlformen dynamischer Kraftfelder oder als Kommunikations–
und Bewegungskanäle der Stadt erweisen. Das Thema der Verflüssigung des
Raumes die grundlegende Entwicklungstendenz von Margareta Hesses
Arbeiten in den vergangenen drei Jahrzehnten knüpft überdies an den
Genius Loci an, wurde doch schon Donald Judds Arbeiten in der
zeitgenössischen Kritik als Triumph räumlicher Verflüssigung gefeiert.
Die Dialektik zwischen dem Oberpriester der Moderne und der Diva des
zeitgenössischen Kunstbetriebs würde in diesem Spannungsfeld noch eine
pointierte Inszenierung erlauben. Zwischen dem mentalen Bild der
Künstlerin und dem Realisat klafft demnach eine erhebliche Lücke, falls
beide überhaupt je zur Deckung gelangen. Das Interesse der Künstlerin
gehört einem Material, das eigentlich vollkommen banal scheint:
Polyester. Scheinbar ein rein funktionales Baumaterial, das unter
anderem zu Zwecken des Sichtschutzes oder bei der Herstellung von
Segelflugzeugen eingesetzt wird. Durch das Übereinanderlegen mehrerer
Polyesterplatten erhalten ihre Arbeiten eine Räumlichkeit und
Mehrschichtigkeit, die sie von der Wand distanziert und in einen
scheinbaren Schwebezustand versetzt. Mit diesen Arbeiten emanzipierte
sich von der Schwere und Wuchtigkeit ihrer Wachs überzogenen Arbeiten
auf Holzplatten. Ein konzeptuelles Geflecht, das seine tückischen
Mechanismen hinter vordergründigen Sinnzusammenhängen versteckt, seine
wuchernde Komplexität unter einer oberflächlichen Ordnung. Und dessen
Schöpferin beim Gang durch die Ausstellung scheinbar über uns steht,
unsere Wahrnehmungskonventionen entlarvt, unsere
Klassifizierungsstereotype analysiert. Die Anstrengungen, die
unternommen werden, um das Profil eines individuellen Künstlers zu
schärfen und die Identität eines Werks zu definieren, also den
Ordnungsprinzipien einer Disziplin zu genügen, konterkarieren oder
dekonstruieren diese Zielsetzung immer auch.

Von visueller Prägnanz und bisweilen berückender Schönheit sind ihre
»Transluzide«. Margareta Hesse malt keine Allegorie–Hausaufgaben,
sondern zuweilen sehr ätherische Bilder. Sie wirft das lästige "Was
bedeutet denn das?" entschlossen über Bord, kann sich auf das
konzentrieren, was so grandios vor Augen liegt. Die Malerin ist dazu
übergegangen, die Leinwand nicht länger als begrenzte Fläche zu
betrachten, innerhalb derer sich ein Spiel der Korrespondenzen
figürlicher oder abstrakter Formen entfaltet, sondern als Arena für
künstlerische Handlungen, den puren Vollzug von Malerei sozusagen,
dessen Spuren sichtbar blieben. Margareta Hesse vermag sich von den
Zwängen konventioneller und sorgsam elaborierter Kunstregeln
unbeschwert zu bewegen und mit Hilfe ihrer Werkzeuge die Dynamik des
schöpferischen Geistes in einem ungeheuer konzentrierten Akt als
unmittelbare Niederschrift zu dokumentieren. Diese Arbeiten sind
ungegenständlich, sie leben von dem Gegensatz zwischen strengen,
seriellen Strukturen und natürlichen malerischen Elementen. Mattierte
und aufgerauhte Flächen erzeugen Transparenz und Unschärfe. Ihre
durchleuchteten Bilder ergreifen mit ihrer materiellen, wie farblichen
Präsenz vom Raum Besitz. Das Projekt »Transluzide« lebt von der
Variation klar festgelegter, reduzierter bildnerischer Mittel innerhalb
einer strengen geometrischen Systematik. Die reine Farbigkeit, die dem
Betrachter entgegenleuchtet, nimmt einen geradezu in einem optischen
Sog gefangen. Der Gegensatz von Materialität und Immaterialität, von
Sichtverweigerung und Einsichtgewährung, von Verschleierung und
Transparenz wird spielerisch aufgehoben. Farbe wird zur Geltung
gebracht und zurück genommen, Form geoffenbart und wieder verborgen.
Spannungsreich sind die Arbeiten dadurch, daß sie den Anschein haben,
in steter Entwicklung begriffen zu sein, denn was genau sichtbar wird
im jeweiligen Augenblick, was sich den Blicken plötzlich wieder
entzieht, bestimmt zum einen das Licht, zum anderen der Betrachter
selbst, der sich veranlaßt sieht, vor dem Bild auf und ab zu gehen, die
Räume zwischen den einzelnen Polyesterplatten zu erforschen und sich
vor den aus Silikon gearbeiteten Öffnungen auf den Bildgrund
niederzubeugen. Das Licht fällt durch die zwei in Distanz
hintereinander montierten farbigen, oft orange– und rotgetönten Platten
und eröffnet einen luftigen, im wahrsten Sinn des Wortes schwebenden
Sehraum, der je nach Betrachterstandort verschieden wahrnehmbar wird;
es tritt also im Werk der Künstlerin als Protagonistin auf und wird
selbst zum Akteur.